Die Kunst der Seele: 5 universelle Wahrheiten aus 50 Jahren Malerei

Hallo, mein Name ist Ricardo Lapin, ich bin ein aktiver multidisziplinärer Künstler, und ich freue mich, eingeladen worden zu sein, im Fuumuui Blog über Dinge im Zusammenhang mit bildender Kunst zu schreiben: Materialien, Techniken, hilfreiche Tipps und vor allem, meine Erfahrungen und mein Wissen zu teilen.

Seit Jahrzehnten habe ich Hunderte von Menschen (von 5 bis 95 Jahren) unterrichtet, sie zum Malen im Freien mitgenommen, mit ihren Enkeln Wandbilder gemalt oder Umweltskulpturen aus Zement geschaffen. Ich habe Ausstellungen für sie organisiert und sie ermutigt, an internationalen Wettbewerben teilzunehmen. Aber am wichtigsten ist, dass ich den Generationenwechsel und den Einfluss riesiger Informationsmengen, das Aufkommen neuer Technologien und die erhebliche Verwirrung miterlebt habe, die dies bei jemandem erzeugt, der sein Talent als Maler, als Künstler entwickeln möchte.

Ich hatte das Privileg, an den beiden Akademien, an denen ich studierte, ausgezeichnete Lehrer und Professoren zu haben, und später, als ich Absolventen traf, die ein oder zwei Jahrzehnte nach mir an diesen Institutionen studiert hatten, entdeckte ich überrascht, dass viel Wissen mit der alten Garde der Professoren und mit den neuen Trends in der Konzeptkunst verschwunden war, die oft "den Tod der Malerei" verkündeten.

Ich habe gesehen, wie realistische Malstile, die an die vorfotografische Ära erinnern, wiederaufgetaucht sind, und im Allgemeinen den Zusammenprall der Schulen, der schon immer existierte, damals wie heute. Ich möchte – nach einem halben Jahrhundert des Malens – mit einigen Gewissheiten beginnen, die sicherlich keine absoluten Wahrheiten sind, sondern meine Wahrheiten an diesem Punkt meiner Karriere & meines Lebens.

1. Die menschliche "Berührung" vs. Künstliche Intelligenz

Zunächst bin ich fest davon überzeugt, dass ohne die "Berührung", den menschlichen Kontakt mit den Arbeitsmaterialien, nichts Künstlerisches entstehen wird. Bei allem Respekt, digitale Kunst wird ihren Test in hundert oder 150 Jahren bestehen müssen, was in Bezug auf die Menschheitsgeschichte sehr wenig ist, aber genug, um die Trends herauszufiltern und relevante Beiträge zur Kunstgeschichte zu unterscheiden.

Ich habe Jahrzehnte damit verbracht, Vorträge über Künstler, Kunstbewegungen und Museen weltweit zu halten, und obwohl es heute viele schlaue Händler gibt, die Marketingnetzwerke und Galerien für alle Arten von maschinell produzierten Werken und Anwendungen aufbauen, kann ich bestätigen, dass Künstliche Intelligenz künstliche Kunst produzieren wird.

Weil Kunst etwas inhärent Menschliches ist, erfordert sie viel Arbeit, Träumen, Scheitern und Fortschreiten. Es bedeutet menschliche Qualitäten und Eigenschaften, menschlichen Geist & Seele.

In dieser Welt verschwindet das, was mühelos kommt, schnell wieder. Das bedeutet nicht, dass es darum geht, hart zu arbeiten und sich anzustrengen: es muss in die richtige Richtung geschehen. Es gibt Traditionen in der Malerei, und Künstler zu sein ist ein Weg, ein Handwerk und auch eine Geisteshaltung.

2. Malerei als Sprache: Die "Do’s and Don’ts"

Wir leben in Zeiten, in denen auf Knopfdruck ein Blatt oder eine Leinwand mit Farben, Licht- und Schatteneffekten, Perspektive und allerlei Pyrotechnik bedruckt herauskommt. Und wir haben eine junge Generation, die alles sofort, unverzüglich verlangt.

Kunst ist ein Prozess. Ein Prozess, der vor der Uhr flieht: er braucht die Zeit, die er braucht, aber eines ist klar: man kann nicht in ein paar Wochen oder Monaten oder irgendeiner Frist Maler werden. Man muss üben, üben und weiter üben. Ob man sich entscheidet, abstrakter oder gegenständlicher Maler zu sein, es gibt keine Möglichkeit, sich vor dem Lernen, Experimentieren, Scheitern, Suchen, Wiederbeginnen an demselben Gemälde, das "nicht gelungen ist", zu verstecken.

Ich habe in Künstlergruppen einige Kollegen getroffen, die glauben, dass sie mit der Aussage "So fühle ich mich" eine Entschuldigung haben, um ein blasses, schlecht gemaltes Bild voller grundlegender Fehler und Grausamkeiten aus technischer Sicht zu rechtfertigen.

Oder Werke auf "seriösen" Ausstellungen zu sehen und zu denken: "Mein Gott, so ein vielversprechender Ansatz, und dieses Gemälde wird in ein paar Jahren reißen oder nachdunkeln, einfach aus Unwissenheit."

Jene gewichtigen akademischen Studien von früher waren oft überwältigend, aber es steckt viel Chemie in Pigmenten, Bindemitteln, Trägermaterialien, Klebstoffen und allen Materialien, die für die Malerei verwendet werden. Man kann Materialien kaufen und sie blind oder mit einem YouTube-Tutorial anwenden, aber das ist, als würde man Gedichte oder Romane mit Rechtschreibfehlern schreiben.

Malerei, in ihren vielen Unterdisziplinen, ist eine Sprache, und wenn man Maler sein will, muss man die Grundlagen kennen, die lange Liste der "Do’s and Don’ts", denn Dr. Murphy sagt – und er irrt sich nie – dass das Gemälde, das so perfekt und kraftvoll geworden ist, das alle loben, am Ende verfallen und zerstört wird, wenn man das "Ufficio della Pittura", wie Leonardo da Vinci es nannte, nicht gelernt hat.

3. Viel Wissen aus der Vergangenheit ist irrelevant

Viel Wissen aus der Vergangenheit ist irrelevant, das ist klar. Dass ich gelernt habe, dass das natürliche Ultramarinpigment aus Lapislazuli stammt und dass das synthetische Pigment – mit dem ich vor 40 Jahren gemalt habe – eine Mischung aus Aluminiumsilikat, Natriumcarbonat, Schwefel und Kohlenstoff war, hat mir bei der Anwendung überhaupt nicht geholfen.

Heutzutage sind die meisten Pigmente synthetische Mischungen aufgrund der Toxizität von Blei oder Metallchromfarben und mehr.

Aber es gibt Dinge, die grundlegend sind, und obwohl sie in einigen Blogs, Artikeln und Kommentaren auftauchen, sind sie oft mit Mythen und Falschheiten vermischt und werden von zweifelhaften Experten verbreitet.

Der erste Schritt der Unwissenheit ist, zu wissen zu glauben, und "nicht zu wissen" im Handwerk der Malerei wird uns Zeit, Geld für Materialien kosten und manchmal jemanden mit einer wahren Leidenschaft für die Malerei frustrieren, der aber blind voranschreitet.

4. Niemand hat jemals das Rad erfunden

Wissen wurde über Generationen angesammelt, weil die Alten Meister Alchemisten waren, die umfangreich experimentierten, aus Versuch und Irrtum lernten, bis sie zuverlässige und konsistente Materialien und Techniken gelangten.

So entstanden Fresko- und Ölmalerei, letztere verdünnt die Farbe, ohne die Farben zu vergilben oder nachzudunkeln (durch Oxidation). Man braucht keine Enzyklopädie, aber ein Buch mit Rezepten, Paletten und Techniken der Alten Meister kann sehr hilfreich sein.

Man muss es nicht ganz lesen; es ist ein Nachschlagewerk. Wenn man auf Papier malt, ist es gut, sich dafür zu interessieren, was sie im 19. Jahrhundert gemacht haben oder warum die Al-Fayyum-Porträts (römische Grabbildnisse) so intensive Farben haben, als wären sie gestern und nicht vor 2.000 Jahren gemalt worden.

Ein Muss für jeden Maler ist: "The Artist's Handbook of Materials and Techniques" von Ralph Mayer.

Viele Menschen studierten und versuchten, die technischen Geheimnisse alter Meister und virtuoser Künstler, ihre Paletten und Malmittel zu entschlüsseln, aber Ralph Mayer fasste alle Enzyklopädien und Bücher zu diesem Thema zusammen.

Veröffentlicht 1940, bleibt es bis heute die "Bibel der Maler". Seine fünfte Auflage (1985) enthält einen Anhang zu Polymer- (Acryl-)Farben und verweist Leser auf über 40 Bücher von Menschen, die die Materie studiert haben. Das ist Professionalität und Gründlichkeit.

Es gibt verschiedene Enzyklopädien und Bücher, aber dies ist das prägnanteste, das alles Wissen über Techniken und Materialien enthält.

5. Um Künstler zu sein, muss man "eine Künstlerhaltung" haben

Es gibt viel Ego in diesen kreativen Berufen, von Schöpfern über Sammler, Enthusiasten, Kritiker, Galeristen und Experten. Ich glaube, dass man, um Künstler zu sein, "eine Künstlerhaltung" haben muss, die keine Pose oder Position ist, sondern:

DEMUT

Offen sein für Lernen und Aufnehmen, verstehen, dass ohne Fehler kein Fortschritt möglich ist. Wir gehen voran von dem, was uns am letzten Gemälde nicht gefallen hat und was wir verbessern wollen.

SELBSTKRITIK

Konstruktive Kritik annehmen. Als ich mit 10 Jahren begann, in Öl zu malen, sagte mein Mentor und Lehrer, der Maler Eugenio Mariani, dass "wir die Tendenz haben, mit uns selbst nachsichtig und mit anderen sehr kritisch zu sein. Wir müssen diese natürliche Tendenz korrigieren." Ich sage nicht, masochistisch zu sein, sondern die Meinungen anderer anzunehmen und zu prüfen.

Es gibt ein Vorurteil, dass Kritik ein Angriff, eine Aggression ist. Das habe ich an meiner zweiten Kunstakademie wahrgenommen: die Studenten fürchteten die Halbjahres- und Jahresendkritiken, als ginge es um Leben oder Tod.

An meiner ersten Akademie war es ein Recht und ein Privileg, "Kritik" von den Lehrern zu erhalten; die Interaktion und das Lernen fanden mit ihren Assistenten statt, die wahre Enzyklopädien waren und Tricks und technische Lösungen für jedes Problem kannten.

Und nur weil "eine bedeutende Persönlichkeit" etwas sagt, bedeutet das nicht, dass wir es als Evangelium nehmen sollten: dieselbe Selbstkritik impliziert kritisches Denken, Analysieren, Verstehen, sehen, was wahr ist, unseren eigenen Verstand nutzen. Und es kann sein, dass wir letztendlich diese kritische Meinung nicht akzeptieren, aber erst nach einer aufrichtigen & offenen Bewertung.

ARBEIT UND BEHARRLICHKEIT

Jener Mentor aus meiner Kindheit und Jugend verlangte von uns, mindestens drei Leinwände pro Woche zu malen, und wir trafen uns alle zwei Wochen in seinem Atelier, um alle Arbeiten der Studenten mit ihm zu besprechen. Wenn jemand nicht so viel malen konnte, nun, er musste einen anderen Lehrer finden: er nannte es "ARBEITSDISZIPLIN", und es war nicht nur eine Regel.

Heute, in weniger strengen Zeiten, würde ich es so formulieren: zeichnen, malen, skizzieren, malen, malen und malen. Es ist nicht nur die Malerei, die Disziplin verlangt; dasselbe gilt für einen Athleten oder einen Konzertpianisten.

Wenn man die Malerei aufgibt, aus welchem Grund auch immer, selbst für eine Weile, verliert die "Hand-Auge-Gehirn"-Verbindung, von der Paul Cézanne sprach, ihre Flexibilität. Wie ein Konzertpianist oder ein Basketballspieler muss man von vorne anfangen.

Ich hoffe, ich habe Sie nicht überwältigt. Nächstes Mal werde ich über Materialfamilien schreiben und wie man das Beste aus ihnen herausholt.