미술사를 바꾼 18가지 유명한 수채화 그림 및 아티스트

수채화는 종종 가장 용서받기 힘든 매체라고 불립니다. 유화나 아크릴과는 달리 실수를 덮어 그릴 수 없습니다. 물이 종이에 닿으면 안료는 제멋대로 움직입니다.

그러나 이러한 어려움이 바로 가장 유명한 수채화 그림이 그토록 매혹적인 이유입니다. 빛, 분위기, 찰나의 순간을 다른 어떤 매체보다 잘 포착합니다.

미술사 애호가이든 다음 작품에 대한 영감을 찾고 있든, 이 목록은 18개의 걸작을 강조합니다. 이 유명한 수채화 화가들은 수채화가 단순한 스케치가 아니라 고급 예술을 위한 강력한 도구임을 증명했습니다.

개척자: 디테일의 초기 거장 (1500년대 – 1700년대)

19세기 이전에는 수채화가 주로 지도나 식물 연구에 사용되었습니다. 그러나 몇몇 선구자들이 일찍이 경계를 넓혔습니다.

1. 알브레히트 뒤러 – 어린 토끼 (1502)

뒤러는 수채화 매체를 진지하게 다룬 최초의 유명한 수채화 화가로 널리 알려져 있습니다. 어린 토끼는 사진과 같은 사실주의로 유명합니다. 그는 개별 털을 그리기 위해 매우 가는 디테일 브러쉬를 사용하여 수채화가 지저분한 것이 아니라 정확할 수 있음을 증명했습니다.

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2. 알브레히트 뒤러 – 큰 잔디 조각 (1503)

이 작품은 혼란스러운 잡초 밭을 과학적인 걸작으로 바꿉니다. 뒤러는 가장 보잘것없는 주제조차도 관심을 받을 자격이 있음을 보여주었습니다.

3. 윌리엄 블레이크 – 영원의 고대인 (1794)

블레이크는 에칭과 손으로 그린 수채화를 결합하여 신화적이고 몽환적인 비전을 창조했습니다. 그의 작품은 현실보다는 상상력에 초점을 맞추고 있기 때문에 눈에 띕니다.

4. 안토니 반 다이크 – 영국 풍경 (1630년대)

유화 초상화로 가장 잘 알려져 있지만, 반 다이크는 수채화로 최초의 순수한 풍경화를 만들었습니다. 그의 느슨한 워시는 미래의 영국 거장들을 위한 길을 열었습니다.

황금기: 19세기 수채화 화가

이 시대는 오늘날 우리가 알고 있는 인기 있는 수채화 그림을 정의했습니다. 화가들은 수채화를 연구 도구로 취급하는 것을 멈추고 완성된 제품으로 전시하기 시작했습니다.

5. J.M.W. 터너 – 푸른 리기, 일출 (1842)

터너는 논쟁의 여지가 없는 "빛의 화가"입니다. 이 작품에서 그는 산의 물리적 세부 사항보다는 분위기를 포착하기 위해 부드러운 파란색과 금색 워시를 사용했습니다. 

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6. J.M.W. 터너 – 상원 및 하원 화재 (1835)

"wet-on-wet" 기법의 걸작. 터너는 불의 혼란을 포착하기 위해 이 그림을 빠르게 그렸으며, 물을 사용하여 종이 위에서 직접 색상을 혼합했습니다.

7. 존 컨스터블 – 스톤헨지 (1835)

컨스터블은 하늘로 유명합니다. 고대 돌에 대한 이 우울하고 분위기 있는 그림은 수채화가 유화보다 감정과 날씨를 더 잘 전달할 수 있는 방법을 보여줍니다.

8. 토마스 거틴 – 첼시의 화이트 하우스 (1800)

거틴은 젊은 나이에 사망했지만 낭만적이고 광범위한 경관을 만들기 위해 제한된 팔레트를 사용하여 매체에 혁명을 일으켰습니다. 그는 영국 미술계에서 유명한 예술가들의 수채화 그림을 향상시키는 데 도움을 주었습니다.

9. 토마스 모란 – 옐로스톤의 그랜드 캐니언 (1872)

모란의 수채화는 너무 강력해서 미국 의회가 옐로스톤을 최초의 국립 공원으로 설립하도록 설득하는 데 도움이 되었습니다. 그의 작품은 자연의 엄청난 규모와 지질학적 질감을 포착하여 수채화가 섬세한 꽃만큼 웅장하고 서사적인 풍경을 처리할 수 있음을 증명합니다.

10. 빈센트 반 고흐 – 생트마리 해변의 어선 (1888)

유화로 유명하지만 반 고흐의 수채화는 생생하고 그래픽합니다. 이 작품에서 그는 수채화와 잉크 갈대 펜 선을 결합했습니다. 페이지에서 튀어나오는 대담하고 구조화된 구성을 만들기 위해 그림과 페인팅을 혼합하는 방법의 완벽한 예입니다.

11. 윈슬로 호머 – 푸른 배 (1892)

호머는 매체에 뚜렷한 미국적 에너지를 가져왔습니다. 물에 반사되는 빛을 칠하는 그의 능력은 타의 추종을 불허합니다.

12. 윈슬로 호머 – 걸프 스트림 (1899)

그의 유명한 유화 그림 전에 호머는 수채화로 그의 아이디어를 정리했습니다. 이 연구는 바다의 무시무시한 힘을 포착하는 대담하고 직접적인 스트로크를 특징으로 합니다.

13. 폴 세잔 – 생트빅투아르 산 (c. 1900)

세잔은 현대 미술의 아버지로 알려져 있습니다. 그의 수채화에서 그는 색상을 부드럽게 혼합하는 대신 뚜렷하고 겹치는 색상 패치를 사용했습니다. 그는 종이의 넓은 영역을 비워두어 흰색 공간이 산의 모양을 정의하기 위해 페인트 자체만큼 많은 작업을 수행하도록 했습니다.

14. 존 싱어 사전트 – 곤돌리에의 낮잠 (1904)

사전트는 효율성을 사랑하는 사람들을 위한 최고의 수채화 화가입니다. 그는 모양을 과도하게 작업하기보다는 하나의 완벽한 붓놀림으로 모양을 정의하는 "터치의 경제성"을 사용한 것으로 유명합니다. 이 기술에는 날카로운 포인트를 유지하는 고품질 여행용 수채화 브러쉬가 필요합니다.

15. 존 싱어 사전트 – 흰 배 (1908)

이 작품은 네거티브 공간에 대한 교훈입니다. 사전트는 흰색을 칠하지 않았습니다. 그는 단순히 종이를 그대로 두어 배의 눈부신 햇빛을 나타냈습니다.

브루클린 미술관에서 보기

현대 혁명: 20세기 및 그 이후

미술이 추상화로 나아가면서 유명한 수채화 그림은 모양과 색상 이론에 초점을 맞춘 더욱 실험적이 되었습니다.

16. 파울 클레 – 모스크가 있는 하마메트 (1914)

클레는 풍경을 기하학적 색상 사각형으로 나누었습니다. 그는 서로 다른 색조가 서로 어떻게 상호 작용하는지 테스트하기 위해 수채화를 사용했습니다.

17. 조지아 오키프 – 저녁별 3번 (1917)

오키프는 수채화의 유동성을 사용하여 색상을 함께 번지게 하여 황혼 하늘의 부드럽고 추상적인 표현을 만들었습니다.

18. 에드워드 호퍼 – 망사르 지붕 (1923)

호퍼는 수채화를 사용하여 미국 건축의 날카롭고 뚜렷한 빛을 포착했습니다. 그의 그림자는 일반적으로 매체와 관련된 부드러움과 대조적으로 선명합니다.

이 거장들로부터 배울 수 있는 것

유명한 예술가들의 수채화 그림을 연구하는 것은 단순한 역사가 아닙니다. 그것은 당신 자신의 예술을 위한 실용적인 가이드입니다.

• 빛을 존중하십시오: 사전트처럼 가장 밝은 흰색은 종이 자체라는 것을 기억하십시오. 페인트를 칠하기 전에 흰색을 계획하십시오.
  
• 도구가 중요합니다: 뒤러는 그의 토끼를 위해 가는 디테일 브러쉬가 필요했고, 터너는 그의 하늘을 위해 큰 맙 브러쉬가 필요했습니다. 올바른 브러쉬를 사용하면 스타일에 영향을 미칩니다.
  
• 흐르게 하십시오: 이 거장들의 가장 큰 교훈은 자신감입니다. 물이 안료를 움직이는 것을 두려워하지 마십시오.
  

자신의 걸작을 시작하십시오

영감을 보았습니다. 이제 브러쉬를 들 차례입니다. 수채화의 흐름을 즐기기 위해 터너나 사전트가 될 필요는 없습니다.

시작할 준비가 되셨습니까? 초보자를 위한 궁극적인 수채화 페인팅 가이드를 읽고 기본 사항을 배우고 어떤 종이를 선택해야 하는지 이해하고 오늘 첫 번째 워시를 칠하십시오.