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L’acquerello è una delle forme artistiche più antiche e risale alle pitture rupestri del Paleolitico e antico papiro egizio, prima di evolversi notevolmente dopo l’invenzione della carta in Cina.
Sebbene si sia diffuso in Europa nel Medioevo, la tecnica fiorì davvero durante il Rinascimento con maestri come Albrecht Dürer. Raggiunse un nuovo apice nella Gran Bretagna del XVIII secolo, quando dipingere paesaggi locali all’aperto divenne sempre più di moda.
Questa pratica divenne in seguito nota in tutto il mondo come «en Plein-Air», grazie alla scuola francese di Barbizon del XIX secolo, aprendo la strada agli impressionisti e ai post-impressionisti, che cercavano di cogliere le impressioni fugaci dell’ambiente. Osservando il movimento del sole ogni due ore, questi artisti catturavano i continui cambiamenti di colore e intensità della luce.
Breve storia dell’acquerello
- Le civiltà antiche usavano pigmenti naturali a base d’acqua per murali e manoscritti. L’arte cinese, giapponese e indiana integrò fin da subito inchiostri e pigmenti a base d’acqua.
- Durante il Rinascimento e il Barocco, la maggior parte degli artisti usava gli acquerelli per schizzi e studi dal vero.
- L’età d’oro dell’acquerello arrivò in Gran Bretagna tra il XVIII e il XIX secolo. Artisti come J.M.W. Turner, Paul Sandby e Thomas Girtin lo usarono per disegni topografici, documentazione e paesaggi d’atmosfera.
- Nel 1766, William Reeves rivoluzionò la tecnica vendendo panetti di colore essiccati e portatili, rendendolo più accessibile e mescolando i pigmenti con «gum arabicum» (estratta dagli alberi di acacia in Medio Oriente), contribuendo alla diffusione di questa tecnica.
- Infine, furono fondate società dedicate all’acquerello (ad esempio, a Londra nel 1804), consolidandone lo status di forma d’arte.
Oggi è ampiamente usato per la sua versatilità, che permette di creare sia velature morbide sia opere dettagliate e vivaci.
Capire l’alchimia dell’acquerello
Per padroneggiare questa arte, bisogna comprenderne la scienza. Il colore ad acquerello è composto da 4 ingredienti principali:
- Pigmento: la fonte del colore;
- Gomma arabica: funge da legante e mantiene il pigmento in sospensione;
- Additivi: come glicerina, fiele di bue, miele e conservanti, che modificano viscosità, coprenza, durata o colore della miscela di pigmento e veicolo;
- Acqua che evapora: agisce da solvente e serve a rendere il colore più fluido o diluirlo per l’applicazione.
Sebbene sembri molto semplice dipingere con l’acquerello, è forse una delle tecniche più difficili da padroneggiare. Con l’acquerello, il bianco è dato dalla carta stessa. Le sorprese dipingendo su carta asciutta o bagnata sono tante e serve molta pratica, con i relativi errori e momenti di frustrazione.
Perché cominciare sempre dal disegno
Intraprendendo questo percorso, ricorda che il colore non può compensare una struttura mancante. Come diceva il mio grande maestro di questa tecnica, Adrian Hill, «È impossibile conciliare una marcata ignoranza del disegno con la produzione ad acquerello, dove il disegno è un fattore essenziale del risultato finale».
Parallelamente all’esperienza, all’approccio e agli esperimenti con il colore, dobbiamo sviluppare l’arte dello schizzo. Dovremmo disegnare ovunque e ritrarre tutto ciò che ci interessa.
Cito spesso Bodo W. Jaxtheimer, un maestro accademico il cui manuale Knaurs Mal- und Zeichen-Buch (1961) inizia con il capitolo: «In principio era la linea». Tutta questa avventura chiamata pittura comincia dal disegno, dal disegno e ancora dal disegno. E non lo dico solo io: tutti i grandi maestri lo hanno detto e fatto.
Orientarsi tra stile e tutorial
Un consiglio per chi studia oggi: attenzione al manierismo, ai trucchi meccanici e agli EFFETTI ACCATTIVANTI dell’acquerello.
Nell’era digitale bisogna anche fare attenzione ai tutorial online. Valuta la fonte: la maggior parte dei veri maestri e dei vecchi insegnanti ha una lunga formazione accademica in arte, premi e medaglie e decenni di esperienza nell’insegnamento presso istituti artistici.
Prima di seguire consigli su come rovinare un ottimo pennello per acrilico pulendolo con acetone, alcol o detergenti, informati su chi li dà e sul suo percorso artistico.
Affrontare le prime «ore di volo»
Per i primi passi, procurati materiali di qualità e sperimenta: non aspettarti di creare subito un capolavoro. Questa fase è dedicata alla scoperta.
- Fai schizzi, dipingili, prova pennelli e colori nuovi, bagna la carta e dipingi sia su carta bagnata sia asciutta.
- Osserva come si comportano i materiali. Quali colori e miscele senti più vicini? Quali preferisci?
- In questa fase niente critiche: gioca senza aspettarti risultati.
I grandi maestri di calligrafia cinese dicevano che bisogna percepire la punta del pennello come se fosse la punta delle dita, una loro continuazione o estensione. Servono quindi molta pratica e tante «ore di volo». I risultati arriveranno, ma non subito, come in ogni mestiere.
Proseguire
Nel prossimo articolo parlerò di altri aspetti tecnici della pittura ad acquerello, ma, anche in quel caso, prima serve la disciplina del disegno e dello schizzo.
Allora, schizziamo, disegniamo e dipingiamo.
Hi Che Antoinette, thank you for your comments. One of my early painting teachers, Eugenio Mariani, used to say that there were no such things as “technical secrets”—only naive people who believed they had reinvented the wheel and that they alone would use or apply it. If one searches, studies, and investigates, the experience of those who came before us is right there—explained and accessible to everyone, as knowledge is meant to be. In painting, examples include the camera obscura, the “black mirror,” and the Renaissance red glass filter used to check tonal values. In sculpture or ceramics, the list is even longer: which acids etch metal to create patinas or special effects, or how a black slip transforms into a metallic gold finish at a specific temperature. Yet, the most important lesson my teacher imparted was this: “A technical trick or secret is like a large, beautiful apple. You are delighted to hold it, to show it off, and to use it; but you must remember the other side of the coin: that apple has taken hold of your hand, leaving it no longer free to grasp and taste new fruits.” That is why—with the same generosity a tree shows in bearing fruit—we must share knowledge, experiences, and information. Ultimately, one must walk one’s own path, make mistakes, and learn from them; that is how we learn and advance professionally. “Technical secrets” are merely an illusion; we should share not just out of generosity, but to remain open to learning, testing, and experimenting. Rembrandt, Turner, and Michelangelo all “played” and experimented right up to their final works. Have a great day!!
Hello Ricardo,
I found this article very informative and enlightening and in line with my perspective and approach to art mediums and in particular watercolour, which is my medium of choice.
I am an emerging artist and self taught and professionally I am a scientist. Maybe that’s why my approach to art is not necessarily aesthetically or emotionally driven, and my initial approach is more about the tools: the paper, the brushes, the paints, pigments and exploring how each behave on their own with water and also together. This may be why I gravitated to this post.
I am a fan of the FUUMUUI products and I will be exploring the paints and papers over the coming months. Hopefully I will be able to share some of my observations with you here and I do look forward to your continued posting.
Kindest Regards
Cher-Antoinette
Barbadian Artist
Hi Jan,
It’s excelent to improve any idea & and to push the materials to the limits of our curiosity, but we must keep in mind that there will be failures or unpleasant surprises when a material is asked to do things it wasn’t designed for. Nothing serious, as it’s all a learning process, but some basic information regarding watercolor and paper: as its name indicates, this medium is based on water, sometimes a lot of water (washes by wetting the paper), and therefore the best paper is the thickest (240 to 300 grams). Even with the thickest paper, it’s best to adhere it to a board with watercolor tape to prevent warping when the paper is saturated with water. Then, when it dries, it will be smooth if it’s well adhered. Very thin papers, like rice paper, were used with water-based inks, especially in the East, but with a roller, not with abundant water, since their absorption capacity is small. In traditional Chinese, Japanese, and Korean calligraphy (sumi-e), ink is also prepared on the spot by rubbing a stick of black organic pigment on a stone container and adding distilled water with a teaspoon about one-fifth the size of a sugar spoon. In traditional batik—as in fabric dyeing—strong pigment colors are used so they penetrate the fabric fibers. Nothing beats experience, and sometimes you can discover things that books don’t recommend, like painting on canvas with watercolors, which is absolutely possible. Good luck with your experiments!
Interesting about the history of watercolour. I am presently getting to know and understand how watercolour paints work. I have done several watercolour batik on rice paper. I love doing these. The subject is drawn with waterproof Micron pens of various sizes.. Hot wax is applied to areas where white is wanted and also after each colour. This is also a challenging way to use watercolour paints. In the end the work is totally covered in wax. Then the wax is removed when the painting is placed between layers of newspaper and a hot iron is used. And then the finished painting is revealed………always with some surprises!! Touch ups can be done when the work is dry. I admit this sounds like a lot of work but I find it so exciting!!